La semaine au théâtre : Une Petite Vie ; Médée ; Station de rassemblement : Leith ; Dialogues sur la détention | Théâtre

Déchets dans les rues, pas sur scène. L’excitation est arrivée de manière imprévisible lors de mon Edfest 2022 : non pas à cause de l’explosion de nouvelles œuvres, mais à partir d’adaptations et de revisites.

je n’ai pas sauté dans Une petite vie, la version scénique d’Ivo van Hove du roman de 2015 de Hanya Yanagihara. Bien que son intrigue suive la vie de quatre New-Yorkais, son sujet central est l’abus et l’auto-abus : il tourne autour du sort de l’un des hommes, qui, violemment agressé par des prêtres et des non-pieux, ne peut pas faire suffisamment confiance pour être intime. – et se coupe pour prendre en charge sa douleur. L’adaptation de Van Hove dure quatre heures et est en néerlandais (avec surtitres). J’étais sceptique quant à l’idée du réalisateur qu’il n’adaptait pas un livre mais « un excès ». Qu’est-ce que cela signifie? Pourquoi le champ de la fiction devrait-il être restreint ? Transformer un volume en abstraction lui permet-il de flotter au-dessus de l’examen ?

Pourtant, l’expérience a dépassé sa description. La production a un pouvoir de basilic. En dépouillant les plus de 700 pages de Yanagihara, en se concentrant entièrement sur les personnages les plus opaques mais tremblants, Van Hove montre triomphalement comment les dommages peuvent pénétrer dans l’ADN.

Il n’y a pas de recul devant les horreurs : les lames de rasoir peuvent être trop petites pour être vues même depuis les étals ; ce n’est pas le cas des bracelets de sang scintillants qu’ils produisent. Pourtant, la flagrance physique est mêlée de suggestion intérieure : la soirée s’ouvre sur un murmure de Schubert Erlkönigson histoire sauvage d’un garçon tiraillé entre le père et le tueur séduisant un rappel que Yanagihara a parlé de conte de fées comme source d’inspiration.

Tous les attaquants sont joués – avec un métier à tisser impressionnant et sinistre – par Hans Kesting. En tant que personnage central, Ramsey Nasr est comme une créature irradiée mais piégée par l’éblouissement. Chaque agression le laisse couvert d’une autre tache sanglante : nous voyons sa version de lui-même, pas le « magicien de la dissimulation » que ses amis pensent de lui. Tout est à la fois palpable et insaisissable. Le design de Jan Versweyveld découpe des zones – un lit chirurgical, un atelier d’artiste – devant une vidéo de la vie de rue qui pétille parfois de statique. C’est aussi l’étape la plus sifflante depuis Jérusalem: Nasr peut être porté à travers la scène comme s’il venait de la croix, mais l’odeur dans les stalles n’est pas celle de la sainteté mais celle de la térébenthine.

Cela fait plus de 20 ans que Scots de Liz Lochhead Médée m’a brûlé pour la première fois au festival. Ensuite, Maureen Beattie a traversé la scène. Chez Michael Boyd nouvelle production puissanteAdura Onashile est impérieuse et serpentine, traînant sa main sur la poitrine d’un serviteur alors qu’elle demande une faveur.

La conception de Tom Piper est une boîte en cuivre nu, brunie mais commençant à rouiller. Le détail est dans le rythme des vers explosifs et allitératifs de Lochhead. Décrit comme “après Euripide”, le drame est enrichi d’un incident humain supplémentaire. Médée rencontre sa rivale : en tant que Glauke, Alana Jackson minaude en satin bleu, tandis que tout autour les femmes sont en noir et gris sombre. Aucun dieu ne tire les choses : la pièce de Lochhead, qui crache sur les intimidateurs masculins, parle de trahison personnelle et de vengeance.

L’« impérieuse » Adura Onashile dans le rôle de Médée. Photographie : Jessica Shurte

Aucune production ne m’a persuadé que Médée était vraiment obligée de tuer ses enfants, mais Boyd et Lochhead sont sur le point de faire de la férocité de l’action précoce le moteur du meurtre. Médée, éviscérée par la trahison, est poussée à la colère par un chœur qui, se mêlant au public, s’agglutine autour d’elle, lui tenant les bras comme pour l’empêcher de s’envoler comme un cerf-volant. C’est-à-dire un oiseau de proie.

Aux côtés de Médée en 2000, j’ai passé en revue la compagnie théâtrale aventureuse Grid Iron. Tout le monde au festival et en marge a des raisons de remercier ces explorateurs spécifiques au site, non seulement pour avoir illuminé la ville d’Édimbourg cours de récréation et grands magasins avec leurs histoires, mais pour creuser un nouveau lieu – le ventre. Pourtant, bien que leur dernière performance de promenade crée une série de points chauds vifs, Poste de rassemblement : Leith est submergé par son histoire de crise climatique et de déplacement.

Le public se déplace dans la Leith Academy, en tant qu’observateurs et participants. La Grande Vague arrive ; partout dans le Royaume-Uni, les jeunes sautent vers la mort ; les gens s’emparent des dernières places dans les bateaux. Une salle de sport devient une station de compensation, avec des points de contrôle où chacun est interrogé sur ce qu’il apprécie le plus. Je pense que j’ai menti quand j’ai annoncé « la vérité » de manière pompeuse et trébuchante, et que j’ai été honteux par d’autres qui ont déclaré sans hésiter : « mes petits-enfants ». Un quiz sur la Finlande – la destination choisie par les évadés – se déroule dans une bibliothèque.

Un membre du public est traité dans la station de rassemblement de Grid Iron : Leith.
« Impliqué et impuissant » : un membre du public est traité dans la station de rassemblement de Grid Iron : Leith. Photographie : Jessica Shurte

Dans la meilleure scène, un jeune ménage à trois flotte dans un canot pneumatique dans une piscine. Légèrement fumant sur les côtés, le public entend les échanges des enfants au casque : d’abord rigolos et amoureux, ils se laissent submerger par le désastre ; des vidéos de vagues grises se dressent le long de la piscine bleu ciel. C’est la scène la plus naturelle de la production de Ben Harrison, dans laquelle les performances sont souvent trop histrioniques pour ressembler à un documentaire. C’est aussi la scène dans laquelle le public est positionné de la manière la plus intéressante : laissé entrer dans l’action sans être coopté de force ; donné un aperçu de ce que c’est que d’être à la fois impliqué et impuissant.

Dialogues sur la détention, produit par ice&fire Acteurs des droits humains, offre directement l’expérience des réfugiés. Dans ce qui est une narration silencieuse plutôt qu’une performance, quatre acteurs lisent les mots de vrais demandeurs d’asile, des hommes et des femmes qui ont été détenus dans le centre d’immigration de Dungavel et ailleurs, leur vie suspendue indéfiniment, parfois après des années au Royaume-Uni, toujours après la dureté. à leurs lieux de naissance. “Détenu”, comme l’a souligné avec force un membre du public dans un Q&A post-émission, est un euphémisme pour “emprisonné” ; l’incertitude s’avère aussi être un euphémisme – pour la torture.

Dialogues de détention en répétition.
Benjamin Osugo en répétition pour Detention Dialogues. Photographie : Jess Shurte

Les récits sont clairs et francs : de la femme qui échappe à la vie de domestique, frappée par l’homme de la maison, en sautant dans un bus et en faisant appel à un passager ; du couple qui, menacé par des proches au Pakistan, découvre qu’une fois toutes ses économies dépensées, son avocat ne parvient pas à faire traduire les déclarations des témoins de l’ourdou. Deux signataires BSL sont également assis sur la plate-forme : plus que d’habitude proéminents – et plus que d’habitude expressifs lorsqu’ils se répondent ; un autre cercle d’empathie.

Ces voix de réfugiés sont un autre écho d’Edimbourg. Dans ce même Médée/ Chronique de Grid Iron J’ai passé en revue Kay Adshead La fausse femme, à propos d’un demandeur d’asile. Ainsi, 22 ans plus tard, les histoires de personnes déplacées et de dirigeants intimidateurs sont toujours dominantes. Cela signifie-t-il que le festival est bloqué ? Non : sûrement que le monde a.

Notes par étoiles (sur cinq)
Une petite vie
★★★★
Médée ★★★★
Poste de rassemblement : Leith ★★★
Dialogues sur la détention ★★★

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